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Une courte vidéo inspirée par l’échange
Conversation
avec Claire Michel
Certaines histoires se dévoilent lentement, au fil de chutes de lin et de croquis d’enfance. D’autres surgissent d’un coup, comme une phrase tombée au bon moment. Celle de Claire Michel a été les deux.
Élevée dans la campagne française parmi la nature et les labradors, Claire a toujours su qu’elle mènerait une vie créative. Après des études de mode à Paris puis à Anvers, elle a troqué les rues de la ville pour l’air marin, débarquant à Saint-Malo avec l’envie de naviguer et le besoin de créer. S’en est suivie OURKA, une marque de lin façonnée par l’intuition, le sens pratique et une profonde liberté esthétique. Pendant six ans, elle a dirigé son entreprise dans un atelier de dix mètres carrés, coupant des tissus, peignant des textiles à la main et se constituant une clientèle fidèle, attachée à l’honnêteté de son travail.
Mais créer en mode « slow » a de multiples significations. Après des saisons de production magnifique et durable – et les questions silencieuses qui accompagnent la croissance – Claire s’est retrouvée à ses débuts : dessiner des chevaux. Aujourd’hui, OURKA vit à travers l’illustration, toujours intime et artisanale. Nous avons discuté avec Claire de l’agitation de l’enfance, de la création sans gaspillage et de ce que signifie écouter le ressenti avant la forme.
Tu as grandi dans le Sud-Ouest de la France et vis et travailles aujourd’hui à Saint-Malo. Comment ces paysages ont-ils façonné ta sensibilité et ta façon de travailler ?
J’ai grandi sur un petit site touristique familial au cœur de la campagne française, avec ma sœur cadette et mes deux parents indépendants. Je les ai toujours vus travailler, je les ai souvent aidés, mais je passais surtout mon temps à jouer dans la nature avec notre armée de labradors, sur de fringants chevaux faits de chaussettes rembourrées enfilées sur des bâtons.
Je me souviens m’être souvent ennuyée à la maison, où je créais de grandes installations en cadeau, offrant à mes parents un objet qui leur appartenait déjà. Leur absence de surprise m’a beaucoup déçue. Mon activité principale était donc le dessin. Je produisais de nombreux dessins, principalement de chevaux, que j’offrais à tous mes proches.
Je n’ai jamais rêvé d’une vie classique. Dès mon plus jeune âge, je savais que je devais suivre un chemin atypique et créatif. Et j’ai tellement de chance de le vivre aujourd’hui !
Saint-Malo, charmante ville portuaire que je n’avais jamais visitée avant de m’y installer, a été mon choix juste après mes études à Anvers, car je voulais naviguer. Sans aucune expérience en la matière – et surtout par envie de fuir mes études de mode intenses que je venais de terminer – je rêvais de traverser les océans sur un voilier. Inutile de te dire que je n’ai pas eu le coup de foudre pour cette réalité. J’ai plutôt décidé de créer mon entreprise.
Tes vêtements sont profondément ancrés dans la réalité, texturés, authentiques et épurés. Peux-tu nous parler des matières que tu choisis et des valeurs qui les sous-tendent ?
Merci. La liberté est mon guide. D’abord et avant tout, dans la façon dont on se sent dans le vêtement. Ensuite, dans mon approche pragmatique d’une petite entreprise. Pendant trois ans, en plus de la boutique voisine, j’ai travaillé dans un atelier de dix mètres carrés ! J’y ai organisé le patronage, la coupe, la peinture sur tissu et la couture.
Je devais créer des pièces pouvant couvrir deux tailles, en utilisant chaque morceau de matière, sans compromettre mes passions : les couleurs, les motifs et les coupes. Je savais que je pouvais tout explorer avec un seul tissu, c’est pourquoi j’ai travaillé exclusivement avec du lin : peu de fournisseurs, le plus durable et la meilleure qualité.
En excluant le plastique et le métal, j’ai trouvé des solutions créatives dans le patron lui-même, en le finissant avec des liens de chanvre et des boutons en céramique. J’ai également bénéficié de l’aide d’une couturière exceptionnelle pour finaliser la production.
Le lin est la plus belle matière naturelle qui soit : il répond à tous les besoins du corps et évoque l’élégance historique dans chaque geste.
J’ai rencontré des personnes formidables, aujourd’hui mes amis, qui ont contribué au développement de la marque. J’ai ressenti une grande fierté et un immense bonheur à diriger cette entreprise et cette boutique pendant six ans. Je me suis aussi sentie libre de repenser ma démarche lorsque l’éclat s’est estompé et que des questions sur ma véritable orientation professionnelle ont commencé à surgir.
Une grande partie d’Ourka semble résister à l’urgence de la mode. À quoi ressemble la philosophie « slow » dans ton atelier et dans ton processus ?
Ta question ouvre le chapitre suivant. OURKA a toujours été une marque slow. La question revenait donc souvent : pourquoi fabriquer plus de vêtements ? Surtout quand le découragement est omniprésent, face à la fast fashion et aux marques indifférentes à l’environnement. Après six ans passés à développer le style et l’identité de ma marque, en lien direct avec mes clientes, j’ai senti un changement en elles. Je ressentais aussi un changement en moi. Cela peut paraître cliché, mais j’avais besoin de revenir à cet enfant, celui qui dessinait des chevaux.
Etre slow, c’est parfois savoir s’arrêter.
Peux-tu nous raconter la création d’une pièce récente, de l’idée à la couture finale ? Qu’est-ce qui te guide tout au long du processus ?
Forte de mon expérience en atelier, je savais que je voulais me débarrasser de ce qui était devenu le plus pesant : le stock, les tailles, la main-d’œuvre, les locaux et le transport.
Retour au dessin de chevaux ! C’est précisément ce que je faisais début 2024, lorsque mon compagnon m’a aidée à changer de cap. Il le fait toujours, en prononçant la phrase qui change tout. Il m’a fallu un an pour réfléchir à cette nouvelle orientation, tout en continuant à gérer l’atelier. Et depuis mai 2025, je suis officiellement illustratrice.
Je dessine bien plus que des chevaux, bien sûr, toujours dans les domaines de la mode, de la beauté et du design, que j’aime profondément et que j’ai étudiés pendant de nombreuses années.
Je pense avoir trouvé le moyen d’entretenir ma passion pour la mode sans nourrir le monstre de la production textile.
Comment abordes-tu la durabilité à une époque où la mode est souvent axée sur la surproduction et le jetable ? Quelles limites ou quels choix t’aident à rester fidèle à tes valeurs ?
C’est précisément ainsi que je me sens désormais plus en phase avec la durabilité. Le matériau est réduit à son essence même, il ne nécessite que mes idées, mes mains et mon temps. Je peux envoyer mon travail numériquement partout dans le monde, en synchronisation avec mes clients. C’est comme du sur-mesure pour un service numérique. Ma réflexion à ce sujet est encore en cours, mais j’ai appris qu’un mode de vie créatif est toujours en évolution, comme un développement permanent.
Écrire ceci me rend très heureuse et… libre. Il m’a fallu six ans, une boutique, beaucoup de commandes de matériaux et des heures de fabrication pour enfin découvrir la richesse d’être simplement moi-même : dessiner pour les autres. Mais je n’y serais pas arrivée sans cette expérience incroyable et la communauté que j’ai trouvée pendant cette période, c’est toute la beauté de la chose.
Quand quelqu’un porte Ourka, qu’espères-tu qu’il ressente, non seulement physiquement, mais aussi émotionnellement et énergétiquement ?
Mes clientes m’ont toujours dit qu’elles se sentaient à l’aise et choyés dans mes créations. Je chéris ces témoignages.
Aujourd’hui, OURKA est porté, observé et, je l’espère, sollicité de plus en plus pour des commandes d’illustration.
Nous savons que les images ont un pouvoir sur nos émotions, et j’espère que mes dessins parlent à nos cœurs et à nos esprits, apportant joie, pouvoir, amour de la nature et authenticité.
Et, bien sûr, un profond sentiment de liberté.
TRADUIT DU TEXTE ECRIT PAR TABITHA OSLER ET CLAIRE MICHEL
